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koto 是一种约180厘米长的筝，13根丝弦或尼龙弦架在可移动的琴码上。演奏者跪在一端，右手拇指、食指和中指戴指拨，用左手按压琴码另一侧的琴弦来改变音高。
它在7世纪或8世纪作为 gagaku 合奏的一部分从中国传入，后来逐渐发展成独立的独奏传统。游客最常认得的曲子是《Rokudan no Shirabe》，而他们肯定听过却未必知道名字的是《Sakura Sakura》，这里听到的是 25弦现代koto, 这种乐器是在20世纪为更宽的音域而开发的。
三根弦、一条长长的无品指板和一个覆皮的方形琴身。shamisen 在16世纪由琉球群岛传入，而琉球又从中国得到它；一百年内，它就成了日本流行文化的声音。
它不是弹拨，而是用 bachi——一种大小如小刮刀、较重的拨子——击奏；它既击打琴弦，也会敲到琴皮，赋予乐器鲜明的打击感。最低音弦上有一种刻意设计的杂音，叫作 sawari；在西方乐器上这会被视为缺陷，而在这里，这正是关键所在。
它主要有三种类型，从艺伎音乐中使用的细颈 hosozao，到津轻-jamisen 的粗颈 futozao；后者是你在这段 津轻 jongara 节演奏 中能听到的快速、强劲的北方风格。
一种吹口在端部的竹笛，带有五个按孔，没有键。它的名字本身就是一种度量：1.8 shaku，约54.5厘米，不过这种乐器有许多不同长度。
它的历史很不寻常。在江户时期，komuso——普化宗的托钵禅僧，头戴篮状斗笠，把吹奏视为一种修行而非表演——会演奏它。那些独奏曲称为 honkyoku，是核心曲目，它们围绕呼吸而不是节拍构建。
对于这样一种简单的乐器，它却能产生极其丰富的音色，从纯净音到带气息的沙哑声，全部由嘴唇角度和孔洞的半遮方式控制。一个 当代 shakuhachi 演奏 展示了这件乐器与寺院之间已走了多远。
Taiko 只是“鼓”的意思，这个家族从小型手持鼓一直延伸到 o-daiko：由整棵树干掏空制成，有时直径超过两米。
鼓在日本自史前时代就已存在，并用于战争、节庆和戏剧。大多数人所想象的那种由一群鼓手以编舞式动作合奏演奏的形式，称为组太鼓，由爵士鼓手大口大嗣于1951年发明。它比本文中的其他形式晚了几个世纪，也是最容易见到的。
一种短颈拨弦乐器，梨形琴身，品位很高，用大型楔形拨子演奏。它于7世纪从唐代中国传入，随后分化为多种传统。
其中重要的一支是琵琶法师，即盲眼的流浪僧侣，他们伴着自己的演奏吟诵《平家物语》，在武士战争时期将《源平之战》的史诗带遍全国，在那个很少有人能读书的时代里流传了几个世纪。如今仍存的萨摩流和筑前流是后来的发展，而一场 萨摩琵琶演奏 则可让人感受到叙事与乐器如何相互交织。
三种吹奏乐器承载着宫廷管弦乐队，它们是日本音乐中最奇特的声音。
笙 是一种由17根竹管和金属簧片组成的口风琴，演奏时产生的是持续的和声簇，而非旋律。据说它的形状代表凤凰收起翅膀，而它的声音使整个合奏悬浮其中。
篳篥 是一种短双簧管，音色尖锐而带鼻音，负责主旋律，并能穿透其他一切声部。 龙笛 和更小、音更高的 高丽笛 是横吹笛；你可以在这段 高丽调律录音 中单独听到高丽笛，也可以在这段 雅乐吹奏乐器概览 中听到整组吹奏乐器一起演奏。
笙的作用非常独特，值得单独聆听，例如在这段 独奏《执绪调》 中。
雅乐，意为“优雅的音乐”，是皇室宫廷的礼仪音乐，通常被描述为世界上持续演奏历史最悠久的管弦乐音乐，其曲目在9世纪左右定型。
它吸收了中国、朝鲜和中亚的素材，然后不再变化。其速度极慢，没有西方意义上的和声进行，乐曲随着鼓循环，在持续音层之上展开。 1971年宫廷演出录音 是理解它为何听起来与众不同的最简单方式。
能乐使用一个小型合奏编制，一支笛子和三面鼓，再加上合唱队，鼓手在击鼓之间发出的喊声本身就是音乐的一部分，而不是提示。
歌舞伎则更响亮、更多样，建立在长唄之上，配有三味线合奏、笛子和台下的打击乐组，用来制造雨、雪和风的音效。这段 歌舞伎音乐示例 展示了三味线如何推动一场戏。
文乐木偶戏依托于义太夫节：由一位独唱者为所有角色配音，同时由一名三味线演奏者紧随其后。这是日本最具挑战性的声乐传统。
民谣是劳动歌、节庆歌和摇篮曲，因地区而异，是这一传统的活态延续。来自北海道的渔歌、来自秋田的插秧歌，以及冲绳曲目都使用自身的三线，而不是三味线。
它们通常由三味线、篠笛和太鼓伴奏，并在全国各地的夏季祭典中随处可见。艺伎曲目取材于同样的素材，但更适合室内演出而非田间劳作，例如这段 艺伎音乐录音 。
常常被遗漏，但或许是一切其他音乐的基础。声明是随佛教传入的佛教礼仪唱诵，其旋律与节奏模式影响了能乐、义太夫，以及日本声乐对文本的处理方式。
6世纪至8世纪 佛教唱诵和大陆宫廷音乐从中国和朝鲜传入。雅乐开始成形
9世纪 雅乐曲目被标准化，并事实上被冻结
13世纪 盲琵琶演奏者将《平家物语》传播到全国
14世纪 在观阿弥和世阿弥的推动下，能乐发展起来，并形成了自己的鼓和笛合奏编制
16世纪 三味线经由冲绳传入，并迅速传播
17世纪 歌舞伎和文乐兴起；筝和尺八发展出独奏曲目；普化宗僧人将尺八作为禅修实践来演奏
1868年以后 明治维新引入西方音乐，并使其成为学校教育的基础。和乐成为一个独立的类别
1951年 组太鼓合奏鼓乐被发明出来，并成为日本最具代表性的音乐输出
初听时，大多数陌生感可归结为四点。
间。 寂静具有结构性，而不是实际内容之间的停顿。作品往往围绕一个被延长的空隙所形成的张力来构建。
音色重于旋律。 尺八演奏者会用三种不同方式发出同一个音高，而它们之间的差异就是音乐事件本身。西方训练把音色当作装饰；在这里，它就是材料。
没有和声。 这类音乐大多是单声部或异声部，多个演奏者同时对同一旋律线进行变化装饰，而不是在其下叠加和弦。
刻意的噪音。 三味线的沙嗡声、尺八音色中的气息、拨片击打琴面的拍击声。西方制琴师会试图去除的声音，在这里是有意保留的。
这些音阶是五声音阶，通常属于两大类之一：民谣中明亮的阳音阶，以及带有半音的更阴暗的阴音阶——当人们说某种声音听起来很“日本”时，往往指的就是这种声音。
银座的歌舞伎座 是东京最容易入门的选择。单幕票当天可在建筑侧面购买，价格只是整场座位的一小部分，还能让你观看一小时，并提供英文语音导览。京都的南座也上演同样的剧目。
日本东京的国立剧场 正在因建筑重建而关闭，因此过去在那里上演的能乐、文乐和雅乐节目都改在城中的其他场馆举行。请查看当前演出日程，而不是地址。
大阪的国立文乐剧场 一年举办几个演出季，是聆听义太夫节唱的最佳地点。
皇居的雅乐： 宫内厅乐部在春季和秋季提供免费的公开演出。名额有限，需要提前申请。
佐渡岛 是鼓童的所在地，这支太鼓团让合奏击鼓闻名国际。他们的 Earth Celebration 音乐节在八月举行。
青森 位于日本最北部，是津轻三味线的故乡，那里的小型现场音乐场所每天晚上都会上演与温婉版本截然不同的表演。
艺伎表演 在京都和东京都少不了音乐。京都的祇园角每天都有简短的精选表演；私人的座敷聚会才是真正的体验，需要通过中间人安排。
神社和寺庙的祭典 是免费的选择，而且常常是最好的。六月到九月间的任何祭典都会有太鼓和篠笛，由附近居民演奏。
工作坊如今已很常见，大多数时长60到90分钟，无需经验。
太鼓最适合团体体验：你会得到一面鼓、一对拨子和一个简单的节奏型，而身体性的参与能带着初学者轻松入门。三味线课程更偏技术性，如果你已经会弹点别的乐器会更有收获；东京的 三味线课程 到结束时你就能演奏一段简单的民谣。
筝和尺八课程也有，但更难。筝在身体上较容易驾驭，音乐上也很深奥；而尺八对大多数人来说，往往要花完整整一个小时才能吹出一个稳定的音。
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